„The Creativity of Plants“, Tenri Japanese-German Institute, Cologne 2018

The international exhibition project at Tenri Japanese-German Institute in 2018 deals with the question of creative abilities of plants and analyzes the expressive possibilities of an artistic cooperation between plants as material and impetus and the creative artist as executive and interpretative medium.
Based on the idea that both artist and plant have creative potential and a will of expression a mutual exchange and influence or inspiration occurs. But also material and motif create and determine the work.
Six artists from four countries showed their extraordinary works using different techniques and media. The exhibition was complemented by the concert Patterns of Plants with contemporary compositions by Mamoru Fujieda, Meng-Chia Lin and Ernstalbrecht Stiebler.

Patricipating artists:

Lisa Creagh (GB, Brighton), photography
Lisa Creagh’s photo series „The Instant Garden“ shows floral patterns. Inspired by the study of oriental and Celtic ornamentations with their perpetual structures and patterns she recognizes these elements in leaves, blossoms and parts of plants and merges them with an elaborate digital technique to impressive ornamental compositions.

Angela Kiersch (Neukirchen-Vluyn), objects
Angela Kiersch forms delicate and fragile shapes from parts of plants. The plant’s decay and the resulting dissolving order of things inspire her to determine the unused abilities of the plant and parts of plants to thus create tensions with new shapes. „Developing a 3-dimensional shape that may show a strange sort of intimacy like in some dreamlike pictures is fascinating to me.“ Her objects and wall installations underline this feeling.

Yui Tombana (J, Wakayama/Münster), installation
Yui Tombana’s works concerning botany are dedicated to the finer details in nature and bring up new classification systems for allegedly random natural phenomena. The installation shows a sand garden in which an almost uncountable number of maple seeds almost uniformly realign and, as if so agreed upon, turn towards a shared purpose. In her second work made of fine china forms in the shape of tree-of-heaven (ailanthus) seeds she turns the viewer’s eye back to an individuality that gets lost in the mass.

Werner Henkel (Bremen), installation, letters
Werner Henkel’s work is based on a communicational definition of nature. He always sees nature as a metabolic field not only of material or energetic processes but also as a field of an informational metabolism. Therefore, he developed characters and fonts from the trees habits, so far from 15 different tree species. Each tree species individually writes its life own story in its characteristic branching style into the shape of the tree. A font type here means the specific style of lettering used by a tree species as an expression of a type-specific gesture. The artist now gets into contact with the trees by using written letters.

Maarten Kolk & Guus Kusters (NL, Eindhoven), video
In their video „Withering flowers“ the art and design duo Maarten Kolk and Guus Kusters induce plant movements that in their delicacy reveal a deep connection to the expressive forms of contemporary dance.

„Zhú – Bambus – Take“, Tenri Japanese-German Institute, Cologne 2015

In November 2015 German-Chinese Society, Partnershipsociety Cologne-Peking and Tenri Japanese-German Institute in close cooperation celebrated a three week Chinese-Japanese-German festival for mutual cultural understanding, all under the uniting topic of „Bamboo“. Central to the festival was an art exhibition of two Chinese-Japanese-(German) artist groups that focused on possibilities and ways of intercultural communication and cooperation by using „Bamboo“ as inspiration and motif to also involve the visitors of the festival.

A further exhibition focused on the use of bamboo as an artistic motif in paintings and literature as well as a raw material for everyday or ritual objects.

In the air

Six artists and art students from China, Germany and Japan developed a project that refers to bamboo as an early medium for writing and drawing. Works were exchanged two times among the artists in six parallel running series according to the principle of a relay race. Each artist extracts elements from the preceding work, interprets and reflects it and integrates it into his or her own work of art. A process of approaching and setting boundaries is shown, a dialogue in works of art, about art, but also about communication and the search for mutual understanding apart from language. The title here points towards the indirect relationship between the artists during their processes of creation that virtually seem to float „in the air“ above the works.

Artists:
Chihiro Nishio (Kanagawa/Tokyo), Lei Xi (Jiangsu/Cologne), Reiko Yamaguchi(Okayama/Braunschweig), Simiao Yu (Tianjin/Braunschweig), Rui Zhang (Anhui/Braunschweig), Miriam Laage (Berlin/Braunschweig)

Installationview showing works of two series

Klingon Tea Ceremony

Megumi Fukuda and Echo Ho are interdisciplinary artists from Japan (Hiroshima) and China (Peking) both working and living in Germany. Their encounter led to an intensive personal, cultural and artistic exchange and the shared project: The Klingon Tea Ceremony. Both artists intended not to present their own ancient cultures, but to use their cultural heritage as a gesture for the artistic ritual and, this way, dissolving traditional customs, habits and convictions instead. The ceremonial character invites the visitor to value the alienation between the worlds and the time leaps over thousands of years as a personal encounter.
An ephemeral bamboo garden was created for Tenri Japanese-German Institute using sound, light and different objects. Branched paths lead the visitor into a sphere of alternating light and shadow, while thoughts seem to fade to the sound of wind and dripping water. Light gets low as the sun sets, but it flashes up again in the reflections of the faces in the tea cups.

Space and sound installation by Echo Ho and Megumi Fukuda

Performance Klingon Tea Ceremony

„flowing Urbanity“, ART68 Room for Art and Culture, Cologne 2013

Concept:

The cities of Cologne and Kyoto, both being associated by a town partnership for 50 years now, have many aspects in common. Especially distinctive are their rivers that fragment the cities from North to South. The Rhine in Cologne and the Kamo-gawa in Kyoto have always been lifeline, way of transport, food source and recreation resort for the continuously growing urban community.

How does urban life at and with a river in a megacity function today?
Where exactly do water, city with its history and people meet?

These are just some of the questions the photographers refer to in their respective works.

Photographer Frank Dünzl from Cologne visited Kyoto in May 2013 for 4 weeks. In return, photographer Rui Mizuki from Kyoto came to Cologne in May/June for also 4 weeks.

Both photographers attended to the topic in their own personal way.

It is the view of a person from another cultural background, unfamiliar with the local situation that the project is aiming at. The view on urban life in the respective cities.

The results of the project were on display to the public in an exhibition from 6 – 27 October 2013.

The exhibition was part of the official events celebrating the anniversary year and is conducted in close cooperation with the City of Cologne.

works by Rui Mizuki from the series „Instability“, each 2013, mixed media, 102 x 152 cm
front: ACCA, 2013, glass, film, 100 x 86,5 x 0,3 cm

left: Instability (silver shadow) #Cologne 3
back left: Corner works #Fitness, 2013, Inkjet Print on Alu-Dibond, 64 x 48 cm
back right: About process of dreaming #cars, 2013, Inkjet Print on Alu-Dibond, 60 x 40 cm
front: Stagnation #1, 2013, lacquer, resin, wood, 56 x 45,5 x 3,2 cm

works by Frank Dünzl:
from left to right: Serenity III, Midori I, OI, Arashiyama/Sturmberg, each 2013, Inkjet-Print on Alu-Dibond,
60 x 40 cm
Serenity I, 2013, Inkjet-Print on Alu-Dibond, 80 x 120 cm

from left to right:
Mukashi/Die alte Zeit, Hidden, Encounter II, each 2013, Inkjet-Print on Alu-Dibond, 60 x 40 cm
Encounter I, Gion/Tag, Incognito, each 2013, Inkjet-Print on Alu-Dibond, 120 x 80 cm
Gion/Nacht/Regen, Gion/Nacht, each 2013, Inkjet-Print on Alu-Dibond, 60 x 40 cm

„Encounters – Japan and Germany“, Yumikobo, Kurashiki 2012

The project „Encounters“ was started in 2011 on the occasion of the celebration of the anniversary year „150 years of friendship Germany – Japan“ as an international joint exhibition in Cologne, Germany. It was highly appreciated on a regional level and participates as an international exchange project Encounters – Japan and Germany in the art festival „Artwalk in Okayama“ (film trailer and report TV Setouchi).

Extract from the preface of the accompanying catalogue:

The German-Japanese group exhibition „Encounters – Germany and Japan“, which was held for the first time in Cologne in 2011 as part of the anniversary year „150 years of Friendship Germany – Japan“, was a great success for all the artists involved. It met with a considerable response from the visitors and provided all participants with a wide range of new experiences.

The desire to hold the exhibition again in Japan matured and can now be realised thanks to the generous commitment of the Okayama Prefecture, which invited this exhibition and exchange project to this year’s „Okayama Art Tour“. As a result, it is now possible to deepen these experiences and expand them with new encounters.

We are pleased that all artists have once again agreed to participate and have made selected works available. The traditional Japanese architecture of the exhibition house Yumikobo in Kurashiki-Tamashima gives this presentation a special aura. Works of art of different genres meet, artists with different cultural backgrounds meet, modernity meets tradition, and yet the similarities are also astonishing and diverse.

In addition, however, this year’s „Encounters – Japan and Germany“ will provide ample opportunity for direct contact with the „artist in residence“ artists invited to Tamashima, who will be inspired to create new works in new surroundings and in direct encounters with visitors and residents.

We sincerely hope that this will contribute to a diverse and enriching exchange between people and cultures. This is also the aim of the film documentation, which is intended to be a stimulus and motivation for people interested in culture to take the initiative and seek encounters.

Our heartfelt thanks go to all participants and supporters of this enterprise, who have been personally committed to its success.

„Encounters“ organisation team
Tomoko Sato, Andreas Hentrich, Yuki Asano

back: Ursula Werner
front: Kiyonori Kado

back: Tomoko Sato
front: Heri Gahbler

back: Herbert Linden
front: Akihiro Isogai

back: Andreas Hentrich
front: Ayuko Matsui

back: Yuri Brodsky
front: Chiharu Koda

„Encounters“,Tenri Japanese-German Institute, Cologne 2011

Exhibition concept:

Two artists (German – Japanese) in each case encounter one another in and through their works. Western and Eastern art traditions meet, the works revealing both what they share and what makes them different. Depending on the materials used, the forms and colours of the works and their aesthetic impact, the direct juxtaposition might evoke either an intriguing tension or a harmonious dialogue. It’s not always easy to tell here which artist comes from which cultural realm.

Excerpt from the foreword of the accompanying catalogue:

After a long preparation period and an exchange of ideas between all those involved, we now have the pleasure of presenting the results of the exhibition project „Encounters – Germany & Japan“ in the form of an exhibition at the Tenri Japanisch-Deutsche Kulturwerkstatt and with this publication.

Encounters take place here on several levels: for one thing, the works by the participating artists are juxtaposed in pairs. They enter into a dialogue, complementing one another or at least displaying one or more points of aesthetic correspondence. Some similarities are obvious, while others are more subtle. By virtue of the unique aura they radiate, even some works in very disparate genres nonetheless seem to relate. This kinship transcends categories; nor does it end at the imaginary boundary between fine art and craftsmanship. It furthermore goes beyond cultural borders, a phenomenon we have tried to demonstrate with this exhibition. Ideally, the works begin to communicate with each other, and the viewer can stand by and watch this unfold, or even feel personally addressed by their dialogue.

On another level, many people have encountered one another in the course of this exhibition and its preparation – participating artists, visitors, supporters, helpers. The high degree of interpersonal and intercultural communication here would never have come about were it not for this project. Last but not least, the realization of the exhibition serves to promote better understanding between the cultures and their representatives. And with a little bit of luck, we can one day look forward to a continuation in Japan.

Cologne, April 2011

DeJa Group – organizational team for the „Encounters“ exhibition
Andreas Hentrich
Tomoko Sato

left: Ursula Werner and Kiyonori Kado
right back: Daniel Hees and Mineo Kuroda
right front: Yuri Brodsky und Chiharu Koda

left: Thomas Kitzinger and Tami Ishida
middle and right: Ulla Ströhmann and Yuki Asano

left: Herbert Linden and Akihiro Isogai
middle: Andreas Hentrich and Ayuko Matsui
right: Heri Gahbler and Tomoko Sato

„Die Kreativität der Pflanzen“, Tenri Japanisch-Deutsche Kulturwerkstatt, Köln 2018

Die internationale Projektausstellung 2018 in der Tenri Deutsch-Japanischen Kulturwerkstattbehandelte die Frage nach den kreativen Möglichkeiten der Pflanze und erforschte Ausdrucksmöglichkeiten einer künstlerischen Zusammenarbeit zwischen der Pflanze als Material und Impulsgeber und dem künstlerisch Schaffenden als ausführendem und interpretierendem Medium.
Ausgehend von der Idee, dass sowohl der Künstler/die Künstlerin wie auch die Pflanze kreatives Potenzial und Ausdruckswillen besitzen, kam es zu einem gegenseitigen Austausch und einer Beeinflussung bzw. Inspiration. Auch Material und Motiv kreieren und bedingen das Werk.
Sechs Künstlerinnen und Künstler aus vier Ländern stellten in unterschiedlichen Techniken und Medien ihre außergewöhnlichen Arbeiten aus.
Ergänzt wurde die Ausstellung durch das Konzert Patterns of Plants mit zeitgenössischen Kompositionen von Mamoru Fujieda, Meng-Chia Lin und Ernstalbrecht Stiebler.

Teilnehmende Künstler/innen:

Lisa Creagh (GB, Brighton), Fotografie
Lisa Creagh beschäftigt sich in ihrer Fotoserie „The Instant Garden“ mit floralen Mustern. Inspiriert durch das Studium orientalischer und keltischer Ornamentik mit ihren immer wiederkehrenden Strukturen und Mustern erkennt sie diese Elemente in Blättern, Blüten und Pflanzenteilen wieder und fügt sie in einer aufwändigen digitalen Technik zu beeindruckenden ornamentalen Bildkompositionen.

Angela Kiersch (Neukirchen-Vluyn), Objekte
Angela Kiersch formt aus Pflanzenteilen zarte und fragile Gebilde. Die Zerfallserscheinungen der Pflanzen und die sich dadurch auflösende Ordnung der Dinge inspirieren sie, die ungenutzten Fähigkeiten der Pflanze und Pflanzenteile auszuloten und mit neuen Formen neue Spannungen zu erzeugen. „Mich fasziniert es, eine Plastizität zu entwickeln, der ähnlich wie in manchen Traumbildern eine fremdartige Vertrautheit innewohnt.“ Ihre Objekte und Wandinstallationen unterstreichen dieses Gefühl.

Yui Tombana (J, Wakayama/Münster), Rauminstallation
Yui Tombana widmet sich in ihren Arbeiten zur Botanik den kleinen Naturdetails und realisiert neue Ordnungssysteme für vermeintlich zufällige Naturerscheinungen. Die Rauminstallation zeigt einen Garten aus Sand, in dem sich unzählige Ahornsamenkapseln, fast uniform, aber doch individuell, neu formieren und sich wie verabredet einem gemeinsamen Ziel zuwenden. In einem zweiten Werk aus feinen Porzellanformen in Gestalt des Götterbaumsamens, lenkt sie wieder den Blick auf die Individualität, die in der Menge verschwindet.

Werner Henkel (Bremen), Installation, Briefe
Der Arbeit Werner Henkels liegt ein kommunikativer Naturbegriff zugrunde. Er versteht Natur immer mehr als ein Stoffwechselfeld, nicht nur materieller und energetischer Prozesse, sondern auch als Feld eines Informationsstoffwechsels. So entwickelte er aus den Wuchsformen und typischen Verzweigungssystemen Schriftzeichen und -bilder von bisher 15 Baumarten. Jedes Baumindividuum schreibt mit seinem arttypischen Verzweigungsduktus seine Lebensgeschichte in die Baumgestalt. Schriftart ist hier verstanden als Artenschrift, als Ausdruck einer artentypischen Geste. In Briefform tritt er nun in Kontakt mit den Bäumen.

Maarten Kolk & Guus Kusters (NL, Eindhoven), Video
Das Künstler- und Designerduo Maarten Kolk und Guus Kusters kreiert in seiner Videoarbeit „Withering flowers“ Pflanzenbewegungen, die in ihrer Zartheit eine tiefe Verbundenheit mit den Ausdrucksformen des zeitgenössischen Tanzes offenbaren.

„Zhú – Bambus – Take“, Tenri Japanisch-Deutsche Kulturwerkstatt, Köln 2015

In enger Kooperation veranstalteten die Gesellschaft der Chinafreunde e.V., Partnerschaftsverein Köln-Peking und die Tenri Japanisch-Deutsche Kulturwerkstatt e.V. im November 2015 ein dreiwöchiges chinesisch-japanisch-deutsches Begegnungsfest rund um das verbindende Thema „Bambus“. Im Mittelpunkt stand eine Kunstausstellung zweier chinesisch-japanisch-(deutscher) Künstlergruppen, die sich in ihren Arbeiten und Installationen, den Bambus als Inspiration nutzend und auch den Besucher integrierend, mit den Möglichkeiten und Wegen interkultureller Kommunikation und Zusammenarbeit beschäftigten.

Weiterhin wurde in einer gesonderten Präsentation der Blick auf die Verwendung von Bambus als künstlerisches Motiv in Malerei und Literatur sowie als Werkstoff für Alltags- und rituelle Gegenstände gerichtet.

In der Luft

Sechs Künstler/innen und Kunststudent/innen aus China, Deutschland und Japan entwickelten zusammen ein Projekt, welches sich auf die frühe Rolle des Bambus als Schriftträger bezieht. In zweimal sechs parallel laufenden Serien wurden nach dem Prinzip des Staffellaufs Arbeiten untereinander ausgetauscht. Jede/r Künstler/in zieht aus der vorangegangenen Arbeit Elemente heraus, interpretiert und reflektiert sie und arbeitet sie in sein eigenes künstlerisches Schaffen ein. Es wird ein Prozess der Annäherung sowie der Abgrenzung gezeigt, ein Gespräch in künstlerischen Arbeiten, über Kunst, aber auch über Kommunikation und die Frage des Verständnisses jenseits von Sprache. Der Titel verweist hierbei auf die „in der Luft“ schwebende, indirekte Beziehung zwischen den Künstlern während des Schaffensprozesses über ihre Werke.

Künstler/innen:
Chihiro Nishio (Kanagawa/Tokyo), Lei Xi (Jiangsu/Köln), Reiko Yamaguchi (Okayama/Braunschweig), Simiao Yu (Tianjin/Braunschweig), Rui Zhang (Anhui/Braunschweig), Miriam Laage(Berlin/Braunschweig)

Installationsansicht mit den Arbeiten zweier Serien

Klingonische Teezeremonie

Megumi Fukuda und Echo Ho sind interdisziplinäre Künstlerinnen aus Japan (Hiroshima) und China (Peking), die beide in Deutschland arbeiten und leben. Ihre Begegnung führte zu einem intensiven persönlichen, kulturellen und künstlerischen Austausch und dem gemeinsamen Projekt: Die Klingonische Teezeremonie. Die Künstlerinnen beabsichtigen, nicht ihre eigenen alten Kulturen neu zu präsentieren, sondern verwenden das kulturelle Erbe als Geste des künstlerischen Rituals und lösen so die traditionellen Bräuche, Gewohnheiten und Überzeugungen darin auf. Der zeremonielle Charakter fordert den Besucher dazu auf, die Verfremdung zwischen den Welten und die Zeitsprünge über Tausende von Jahren als persönliche Begegnung zu würdigen.
Für die Tenri Japanisch-Deutsche Kulturwerkstatt wurde unter Verwendung von Ton, Licht und verschiedenen Objekten ein ephemerer Bambusgarten erschaffen. Verzweigte Wege führen den Besucher in den Wechsel von Licht und Schatten, während sich die Gedanken im Klang des Winds und des tropfenden Wassers verlieren. Das Licht nimmt ab, wenn die Sonne untergeht, aber es leuchtet wieder auf in den Spiegelungen der Gesichter in den Teetassen.

Raum- und Klanginstallation von Echo Ho und Megumi Fukuda

Performance Klingonische Teezeremonie

„flowing Urbanity“, ART68 Raum für Kunst und Kultur, Köln 2013

Ein Austausch- und Fotoausstellungsprojekt zum 50. Jubiläum der Städtepartnerschaft Köln-Kyoto

Von Mai bis Oktober 2013 nahmen die beiden Fotografen Frank Dünzl (Köln) und Rui Mizuki (Kyoto) an einem spannenden Austauschprojekt anlässlich der 50-jährigen Städtepartnerschaft zwischen Köln und Kyoto teil. Die Ergebnisse der einmonatigen Arbeitszeit in der Partnerstadt orientierten sich an einem vorgegebenen Thema: Urbanes Leben am Fluss. Sie wurden vom 06. – 27. Oktober 2013 im Rahmen der offiziellen Jubiläumsveranstaltungen in der historischen Ausstellungshalle von ART68 Raum für Kunst und Kultur der Öffentlichkeit vorgestellt.
Ziel des Ausstellungsprojektes war es, den Fotografen zu ermöglichen, die fremde Kultur zu erleben, authentische Eindrücke vor Ort fotografisch zu dokumentieren und die Ergebnisse einem neugierigen Publikum kulturvermittelnd zu präsentieren. Beide Fotografen fanden und entwickelten in ihrem ganz eigenen Stil überzeugende Motive und konzeptuelle Ideen.

Auszug aus dem Katalogtext von Dr. Marta Cencillo Ramirez:

Mit komplexen, konzeptuellen Arbeiten setzt der japanische Fotokünstler Rui Mizuki den Betrachter interaktiven Erlebnissen aus. Den zeitlichen Aspekt dieses Jubiläums aufgreifend, kombiniert Mizuki historische Aufnahmen Kölns von 1963 mit aktuellen, eigenen Fotografien desselben Ortes. Die Fotografien halb überdeckend, ist ein teilreflektierendes Glas montiert, durch das sich der Betrachter selbst und andere im Raum im Kontext der historischen und aktuellen Stadtsituation hineinprojiziert erlebt.
Das Beziehungsgeflecht zwischen Bild, Betrachter und Raum und die daraus resultierenden Ereignisse stehen im Zentrum des Interesses Mizukis. Vor seinen Fotomontagen reist der Betrachter in Raum und Zeit und erlangt ein Bewusstsein für sich selbst, seine Umgebung und den unwiederbringlichen, flüchtigen Moment.

Frank Dünzls ästhetische Fotoarbeiten des Alltags und der lebendigen Traditionen Kyotos zeugen von seinem persönlichen Bezug, vor allem zu den Menschen und zur Kultur. Sie sind atmosphärisch dicht, vermitteln den Lebenscharme, mit dem die Menschen urbane Landschaften beseelen und öffnen die Augen für den romantischen Blick auf die Stadt.
Szenen aus dem Alltagsleben werden ergänzt durch eine Reihe von Arbeiten, in denen Dünzl den gelebten Traditionen Kyotos nachspürt. Aoi-Matsuri, ein Festumzug in historischen Köstümen, oder Bilder der eleganten Geishas im Gion-Viertel: In den 30 Motiven dieser Ausstellung bekommt der Betrachter das Gefühl, vor Ort, mitten im Geschehen zu sein. Sie verzaubern ihn mit der überraschenden Nähe des Motivs und lassen ihn einen besonderen Moment erleben: „Shunkan“.

Arbeiten von Rui Mizuki aus der Serie „Instability“, 2013, Inkjet Print auf Alu-Dibond, je 100 x 150 cm
Vorne: ACCA, 2013, Glas, Folie, 100 x 86,5 x 0,3 cm

Links: Instability (silver shadow) #Cologne 3
Hinten links: Corner works #Fitness, 2013, Inkjet Print auf Alu-Dibond, 64 x 48 cm
Hinten rechts: About process of dreaming #cars, 2013, Inkjet Print auf Alu-Dibond, 60 x 40 cm
Vorne: Stagnation #1, 2013, Japanlack, Harz, Holz, 56 x 45,5 x 3,2 cm

Arbeiten von Frank Dünzl:
von links nach rechts: Serenity III, Midori I, OI, Arashiyama/Sturmberg, jeweils 2013, Inkjet-Print auf Alu-Dibond,
60 x 40 cm
Serenity I, 2013, Inkjet-Print auf Alu-Dibond, 80 x 120 cm

v.l.n.r.:
Mukashi/Die alte Zeit, Hidden, Encounter II, jeweils 2013, Inkjet-Print auf Alu-Dibond, 60 x 40 cm
Encounter I, Gion/Tag, Incognito, jeweils 2013, Inkjet-Print auf Alu-Dibond, 120 x 80 cm
Gion/Nacht/Regen, Gion/Nacht, jeweils 2013, Inkjet-Print auf Alu-Dibond, 60 x 40 cm

„Begegnungen“, Kulturhaus Yumikobo, Kurashiki 2012

Das Projekt „Begegnungen“ wurde 2011 anlässlich der Feierlichkeiten zum Jubiläumsjahr „150 Jahre Freundschaft Deutschland – Japan“ als internationale Gemeinschaftsausstellung in Köln, Deutschland begonnen. Diese erfuhr auf regionaler Ebene eine hohe Wertschätzung und nimmt als internationales Austauschprojekt BEGEGNUNGEN – Japan und Deutschland am Kunstfestival „Kunstrundgang in Okayama“ teil (Filmtrailer und Bericht TV Setouchi).

Auszug aus dem Vorwort des Begleitkataloges:

Die im Rahmen des Jubiläumsjahres „150 Jahre Freundschaft Deutschland – Japan“ 2011 erstmalig in Köln durchgeführte deutsch-japanische Gruppenausstellung „Begegnungen – Deutschland und Japan“ war für alle beteiligten Künstler ein großer Erfolg. Sie stieß bei den Besuchern auf beträchtliche Resonanz und ermöglichte allen Beteiligten vielfältige neue Erfahrungen.

Der Wunsch nach einer erneuten Durchführung in Japan reifte heran und kann nun dank des großzügigen Engagements der Präfektur Okayama, die dieses Ausstellungs- und Austauschprojekt zum diesjährigen „Okayama Kunstrundgang“ eingeladen hat, realisiert werden. Dadurch wird es nun möglich, diese Erfahrungen zu vertiefen und um neue Begegnungen zu erweitern.

Wir freuen uns, dass alle Künstler wieder ihre Teilnahme zugesagt und ausgewählte Werke zur Verfügung gestellt haben. Die traditionelle japanische Architektur des Ausstellungshauses Yumikobo in Kurashiki-Tamashima gibt dabei dieser Präsentation eine besondere Ausstrahlung. Es treffen sich Kunstwerke unterschiedlicher Gattungen, es treffen sich Künstler mit unterschiedlichem kulturellen Hintergrund, es trifft Moderne auf Tradition, und dennoch sind auch die Gemeinsamkeiten erstaunlich und vielfältig.

Darüber hinaus eröffnet die diesjährige Durchführung von „Begegnungen – Japan und Deutschland“ aber reichhaltige Gelegenheit zu direkten Kontakten mit den nach Tamashima eingeladenen „artist in residence“-Künstlern, die sich hier in neuer Umgebung und in direkten Begegnungen mit Besuchern und Bewohnern zu neuen Arbeiten inspirieren lassen.

Wir hoffen sehr, dass wir hierdurch zu einem vielfältigen und bereichernden Austausch zwischen den Menschen und den Kulturen beitragen können. Diesem Ziel dient auch die filmische Dokumentation, die für kulturinteressierte Menschen Anregung und Motivation sein soll, selbst Initiative zu ergreifen und Begegnungen zu suchen.

Unser herzlicher Dank gebührt allen Teilnehmern und Unterstützern dieses Unternehmens, die sich persönlich stark für dessen Gelingen engagiert haben.

„BEGEGNUNGEN“-Organisationsteam
Tomoko Sato, Andreas Hentrich, Yuki Asano

Hinten: Ursula Werner
Vorne: Kiyonori Kado

Hinten: Tomoko Sato
Vorne: Heri Gahbler

Hinten: Herbert Linden
Vorne: Akihiro Isogai

Hinten: Andreas Hentrich
Vorne: Ayuko Matsui

Hinten: Yuri Brodsky
Vorne: Chiharu Koda

„Begegnungen“, Tenri Japanisch-Deutsche Kulturwerkstatt, Köln 2011

Konzept der Ausstellung:

Jeweils zwei Künstler (deutsch – japanisch) begegnen sich in ihren und durch ihre Werke. Westliche und östliche Kunsttraditionen treffen aufeinander und lassen Unterschiede und Gemeinsamkeiten in den Arbeiten sichtbar werden. Je nach Art der verwendeten Materialien, der Form und Farbigkeit der Werke und ihrer ästhetischen Ausstrahlung entwickeln sich in der direkten Gegenüberstellung mal spannungsreiche, mal harmonische Beziehungen. Dabei lässt sich nicht immer genau bestimmen, welcher Künstler welchem Kulturkreis zugehörig ist.

Auszug aus dem Vorwort des Begleitkataloges:

Wir freuen uns, nach einer langen Zeit der Vorbereitung und des gedanklichen Austausches mit allen Beteiligten, nun mit der Ausstellung in der Tenri Japanisch-Deutschen Kulturwerkstatt und mit dieser Publikation die Ergebnisse des Ausstellungsprojektes „Begegnungen – Deutschland & Japan“ präsentieren zu können.

Begegnungen finden hierbei auf unterschiedlichen Ebenen statt: Zum einen begegnen sich die Werke der teilnehmenden Künstler – paarweise gegenübergestellt. Sie treten in Beziehung zueinander, ergänzen sich oder treffen sich in einem oder mehreren Punkten ästhetischer Übereinstimmung. Die Gemeinsamkeiten sind mal mehr, mal weniger offensichtlich. Es ist die eigene Ausstrahlung, die die Arbeiten ganz unterschiedlicher Kunstgattungen einander verwandt erscheinen lässt. Diese Verwandtschaft ist spartenübergreifend und endet nicht an der imaginären Grenze zwischen freier Kunst und kunsthandwerklicher Technik. Sie ist auch kulturübergreifend, wie wir am Beispiel dieser Ausstellung zeigen möchten. Idealerweise beginnen die Arbeiten miteinander zu kommunizieren, und der Betrachter kann dabei zusehen oder sich persönlich angesprochen fühlen.

Zum anderen begegnen sich im Lauf der Ausstellung und ihrer Vorbereitung viele Menschen – Teilnehmende, Besuchende, Fördernde, Helfende. Das hohe Maß zwischenmenschlicher und interkultureller Kommunikation wäre ohne dieses Projekt gar nicht erst entstanden. Nicht zuletzt dient die Realisierung der Ausstellung einer guten Verständigung zwischen den Kulturen und ihrer Repräsentanten. Und mit ein wenig Glück wird sie eines Tages auch ihre Fortsetzung in Japan finden.

Köln im April 2011

Gruppe DeJa – Organisationsteam der Ausstellung „Begegnungen“
Andreas Hentrich
Tomoko Sato

Links: Ursula Werner und Kiyonori Kado
Rechts hinten: Daniel Hees und Mineo Kuroda
Rechts vorne: Yuri Brodsky und Chiharu Koda

Links: Thomas Kitzinger und Tami Ishida
Mitte und rechts: Ulla Ströhmann und Yuki Asano

Links: Herbert Linden und Akihiro Isogai
Mitte: Andreas Hentrich und Ayuko Matsui
Rechts: Heri Gahbler und Tomoko Sato

OBJEKTE – Ölbilder

Mit der seit dem Jahr 2000 entstehenden Bilderserie Objekte bewege ich mich in einem spannenden Grenzbereich zwischen gegenständlichem Abbild und abstrakter Bild- bzw. Raumgestaltung. Die Motive meiner Bilder sind gefundene oder selbst hergestellte Gegenstände, die aber keine Alltagsbedeutung besitzen, sondern nur Form, Farbe und Material sind. Durch eine entsprechende Anordnung im Raum entstehen unterschiedliche Objektbeziehungen bzw. Objekt-Raum-Situationen. Beim Betrachter entsteht ein Gefühl von Ruhe und Klarheit.
Bis heute sind 80 Ölbilder und Aquarelle zu diesem Thema entstanden.

„…Die Präzision, mit der Hentrich diese Objekte erfasst, ihre Oberflächen- oder Haut-Materialität spürbar werden lässt, erinnert an den Eifer alter Meister, zarteste Seiden- oder Spitzengewebe wiederzugeben und das Inkarnat von Heiligenfiguren. Aber was sich, gewiss nach einem sehr stillen und sehr viel Zeit benötigenden Malprozess, hier uns in seinen Gemälden zeigt, will nicht mit einem Augenblick gesehen werden, die Poesie dieser Bilder löst vielmehr Fragen aus und führt die Gedanken spazieren, bevor wir uns dessen noch bewusst sind.“ (Barbara M. Henke)

„…In den neuen Bildern mit dem neutralen Titel „Objekte“ ist der Bildgegenstand so nichts sagend und vor allem nichts bedeutend, dass seine Darstellung lediglich ein Hilfsmittel ist zur Erforschung der Bedingungen von Fläche und Raum. Die neuen Bilder sind eigentlich abstrakte Untersuchungen, die aber, da es eben auch um Raum geht, der Dreidimensionalität und daher der exakten Wiedergabe bedürfen…“ (Thomas A. Querengässer)

„…Die „Objekte“ sind Variablen von Bewegungsdynamik. Unauffällig als Gegenstand, prägnant als Motiv, indirekt als Zeichen, zurückhaltend als Symbol.
…Es scheint nicht bedeutsam, welche Gegenstände es sind, welches „Zeug“, welches Mittel zum Gebrauch. Wichtiger ist, wie durch die künstlerische Umsetzung der Firnis der Zweckbedeutung abgekratzt wurde, wie sie in der Wahrnehmung zu abstrakten Objekten werden. Welche Form sie haben, welche Körper sie bilden, welche Materialität sie haben. Wie sie Raum erzeugen, wie sie zueinander im Verhältnis stehen.
…Abstrakte Grundformen von Existenz und Basisdynamiken von Beziehung, mikro- und makrokosmische Assoziationen zulassend, eigenartig pendelnd zwischen Künstlichkeit und organisch Natürlichem…“ (Klaus Evertz)

INCLUSIONS

The series „Inclusions“ was created between 1996 and 1998. It comprises of 19 works in oil on canvas at the size of 130 x 100 cm, and a water colour at the size of 27 x 21 cm. These paintings present several objects within a preserving jar. Items are combined that actually don’t belong together. The jar as the means of presentation and its content interact and influence each other in their meanings and give the viewer space for associations.

„…The separative jar is at the same time signpost and symbol of the quaint description of the viewing process.
It’s the multitude of reflections on the glass surface that on the one hand reminds of the jar as a real object. On the other hand the viewer knows by his or her visual experience that in real such an object is perceived in a much more simplified manner. Only a photo would be equally able to transport such a variety of visual details. But here, photography became an instrument of the painting process that helps to control the relations of the visual details to each other. But the details of a photograph are not simply added to the painting in the conversion process of a real object into a picture of a picture. In a final step the artist gives the painting back this very atmosphere of personal experience that was taken from it in the first place by the photograph.“ (Sabine and Tobias Wille, Berlin 1998)

Einschlüsse

Die Serie „Einschlüsse“ ist zwischen 1996 und 1998 entstanden. Sie umfasst 19 Arbeiten in Öl auf Leinwand im Format 130 x 100 cm und ein Aquarell im Format 27 x 21 cm. In diesen Bildern werden verschiedene Gegenstände in einem geschlossenen Einmachglas präsentiert. Es werden Dinge miteinander kombiniert, die eigentlich nicht zusammengehören. Das Glas als Medium der Präsentation und der Inhalt beeinflussen sich gegenseitig in ihrer Bedeutung und geben dem Betrachter Raum für Assoziationen.

„…Das trennende Glas ist gleichzeitig Wegweiser und Symbol für die malerische Beschreibung des Beobachtungsprozesses. Gerade durch die Menge der Reflektionen auf dem Glas wird einerseits die Erinnerung an den realen Gegenstand Glas ermöglicht. Andererseits weiß der Betrachter durch seine visuelle Erfahrung, dass ein solcher Gegenstand in der Realität wesentlich vereinfacht wahrgenommen wird. Nur eine Fotografie vermag die Vielzahl optischer Details auch zu speichern. An dieser Stelle wird die Fotografie zum Werkzeug des Malprozesses. Mit ihr können die Verhältnisse optischer Details zueinander kontrolliert werden. Bei der Umsetzung des realen Gegenstandes in ein Bild von einem Bild werden jedoch die Details der Fotografie nicht nur addiert. Im letzten Schritt fügt der Maler jene Atmosphäre dem Bild aus seiner Erfahrung wieder hinzu, die ihm vorher durch die Fotografie genommen worden war.“ (Sabine und Tobias Wille, Berlin 1998)

DISCS

In the series „Disc-Paintings“ (22 works since 1999) the viewer is invited to actively interfere. The paintings don’t have a defined top or bottom. The viewer can define the best position of the painting by simple rotations and may correct this position if required. With this easy and direct intervention the painting can be discovered over and over again, the usual distance between the viewer and the piece of art is reduced.

Scheiben

In der Reihe der „Scheiben-Bilder“ (22 Arbeiten seit 1999) wird der Betrachter aktiv zum Handeln aufgefordert. Die Bilder besitzen kein definiertes Oben und Unten. Der Betrachter kann durch einfaches Drehen die für ihn optimale Position des Bildes selbst bestimmen und auch revidieren, wenn es nötig werden sollte. Das Bild kann durch diesen ungezwungenen und direkten Eingriff immer wieder neu entdeckt werden, die sonst übliche Distanz zwischen Betrachter und Kunstwerk wird verringert.

Bamboo

I started the Bamboo series during my study visit to Kobe, Japan, in 2007. Following traditional Asian picture motives it is derived from my space structuring Objects series. The bamboo as such is clearly defined, but due to the lack of a direct background it mainly acts as a space structuring element.

„As traditional motif in Japanese ink painting bamboo has its own meaning. It is often used to express the texture of the empty space between its stems and leaves, the actual theme in these paintings. In the exact way Andreas Hentrich uses the bamboo to transform paper into space. Tranquility and room for the viewer’s thoughts are important to the artist.“ (Sylvia Peter, Forum Botanical Art, 2016)

Bambus

Die Bambus-Reihe habe ich anlässlich meines Studienaufenthaltes 2007 in Kobe, Japan, in Anlehnung an eine traditionelle, asiatische Bildmotivik begonnen und leitet sich aus den Raumgestaltungsideen der Objekte-Reihe ab. Der Bambus ist zwar als solcher klar zu identifizieren, aber durch das Fehlen eines konkreten Hintergrundes funktioniert er im Wesentlichen als raumstrukturierendes Element.

Aus der Rede von Dr. Maren Godzik zur Ausstellungseröffnung OAG, Tokyo, 2007:

… Auch die Bambusbilder basieren auf Fotos, jedoch in einer sehr viel reduzierteren Form. Wie Sie sicher wissen, ist Bambus eins der wichtigsten Motive asiatischer Kunst, vor allem der Tuschemalerei. Dieses in Japan sehr bekannte Motiv nutzt Andreas Hentrich, um etwas ganz anderes zu machen, als in der traditionellen Tuschemalerei üblich. Wie bei einer Choreographie sind die Bambusstangen über das Bild verteilt, stehen jeweils in einer anderen Beziehung zueinander. Der Bambus dient allein dazu, die Bildfläche und den Raum zu strukturieren. Der Betrachter kann sich in jedem Bild neu in den jeweiligen Raum aus Bambus versenken.

Und hier sieht Andreas Hentrich trotz aller Unterschiede eine Verbindung zu dem traditionellen Bambus-Motiv der asiatischen Kunst: Die Bilder vermitteln, wie Tuschebilder oft auch, eine große Ruhe…

Blätter

„Die Bildwelt von Andreas Hentrich zieht den Betrachter zu Boden. So nahe wird einem das gemalte Laubwerk vor Augen geführt, dass man meint, in einem Park in die Knie gegangen zu sein und sich so tief über den Blätterteppich gebeugt zu haben, dass das Auge nur noch einen winzigen Ausschnitt überblicken kann. Die einzelnen Blätter fügen sich in bestechender Harmonie zu einer Fläche zusammen, die trotz des chaotischen Bildmotivs nicht zufällig wirkt. Andreas Hentrich wählt für jedes Bild ein reduziertes Farbspektrum aus, das er mit einem Reichtum an Nuancen füllt. Kleinste Tupfer von Kontrastfarben, etwa gelbe Lichtkanten entlang von violetten Blatträndern, bringen das Bild zum Funkeln.

Was auf den ersten Blick wie Fotorealismus aussieht, ist genauer betrachtet eher eine Form der Farbfeldmalerei. In „Tagwerken“ von einigen Quadratzentimetern setzt er winzige Farbflächen in Prima-Malerei aneinander. Das Gerüst hierfür gewinnt er aus einer Fülle von Fotografien. In mehreren Selektionen sucht er mittels Schablonen nach Ausschnitten, die seinem Anspruch an Harmonie und Abstraktion genügen. Die Komposition des Bildes entsteht ausschließlich durch die Suche nach einem vollkommenen Ausschnitt und die Wahl des dafür perfekten Bildformates. Nach Inhalten strebt Andreas Hentrich nicht. Ihm genügen die Grundelemente der Malerei: Farbe, Form, Licht und Raum. Auf meditative Weise taucht er in das Handwerk der Malerei ab.“ (Sylvia Peter, Forum Botanische Kunst, 2016)

Leaves

The imagery of Andreas Hentrich makes the viewer focus on the ground. The painted foliage is brought so close to the viewer’s eyes that one may get the impression to have bent down over a carpet of leaves in a park so low that the eye can only overview a small part of it. The single leaves join in impressive harmony to a surface that despite the chaotic motif does not appear incidental in any way. Andreas Hentrich uses a specifically reduced range of colors for each painting, which he fills with a plurality of finest shades. Miniscule dabs of contrasting colors, e.g. bright yellow linings along violet leave edges, light up the painting. What first might appear as photorealism rather is a form of color field painting at second glance. In a day’s work of only a few square centimeters he links smallest color patches in alla prima painting. The basic matrix he uses is the outcome of a multitude of photographs and perspectives.
Andreas Hentrich uses individual stencils in several selection processes to find picture details that meet his demands on harmony and abstraction. The picture’s composition is the result of a search for the ideal detail and the choice of the perfect format. Andreas Hentrich is not looking for meaning.The basic elements of painting, color, form, light and space, are self-sufficient. In a contemplative way he defines his works by the artisanry of his paintings. (Sylvia Peter, Forum Botanical Art, 2016)

OBJECTS – oil paintings

In the Objects series I began working on in 2000 I explore an intriguing borderline area between figurative representation and abstract pictorial and spatial composition. The motifs in my pictures are found or self-made objects that do not have any meaning in everyday life, but are rather mere form, colour and material. Arranging them in space results in various object relationships or object-space situations. Contemplating the images produces a feeling of calm and clarity.
To date, I have created 80 oil paintings and watercolours on this theme.

„…The precision with which Hentrich conceives these objects, how he makes their surface or skin materiality sensible reminds of the assiduity of old masters reproducing the most tender silk or lace fabrics, and the incarnation of sculptures of saints. But what the paintings show us, obviously following a very silent and extremely time consuming painting process, does not want to be seen at a glance. The poetry of these paintings triggers questions and takes our thoughts to a stroll – already before we are aware of it.“ (Barbara M. Henke)

„…The picture object in the new paintings with the neutral title „Objects“ is so inexpressive and even more so meaningless that its depiction is simply an instrument for the exploration of the conditions of surface and space. The new paintings actually are abstract examinations, which, since space is concerned, require three-dimensionality, and, therefore, also precise depiction…“ (Thomas A. Querengässer)

„…The „Objects“ are variables of motional dynamics. Unobtrusive as objects, concise as motives, indirect as signs, reserved as symbols.
…It doesn’t seem to be important what objects, what kind of „stuff“, what kind of objects of utility they are. It’s more important how the varnish of the intended purpose is removed, how in our perception they turn into abstract objects. What kind of shape they have and corpus they form, and what their materiality is. How they create space and how they relate to each other.
…Abstract basic forms of existence and basic dynamics of relations, allowing micro and macro-cosmic associations, strangely oscillating between artificiality and organic naturalness…“ (Klaus Evertz)

Andreas Hentrich, Fustenburgstr. 2, 50935 Köln/Cologne

Studio, Merheimer Str. 324, 50733 Köln/Cologne, Germany, Phone: +49 151 42490901

Blätter 56
2024
Öl auf Leinwand/Holz – oil on canvas/wood
Durchmesser 80 cm – diameter 80 cm

Giclée-Edition Herbstlaub – Autumn Leaves

Giclée-Edition Koi

Giclée-Edition Yucca rostrata

Dracaena sanderiana 2
2019
Öl auf Leinwand – oil on canvas
150 x 100 cm

Blätter 53
2021
Aquarell auf Papier – Water colour on paper
Durchmesser 30 cm – diameter 30 cm

Geranium incanum
2021
Aquarell auf Papier – Water colour on paper
Durchmesser 25 cm – diameter 25 cm

o.T. (Objekte 86) / Liquidambar
2022
Öl auf Leinwand – oil on canvas
80 x 120 cm

Andreas Hentrich Blätter 2014 Hrsg.: Andreas Hentrich Texte: Dr. Marta Cencillo Ramirez 20 Seiten, 13 Farbabbildungen € 7,-

Andreas Hentrich Ölbilder und Aquarelle 2011 Hrsg.: galerie skala, Köln; Andreas Hentrich Texte: Thomas A. Querengässer, Yoshiro Shimizu M.A. 56 Seiten, 50 Farbabbildungen € 15,-

Andreas Hentrich „Objekte“ 2001 Hrsg.: galerie skala, Köln; Galerie Ulrich Gering, Frankfurt/M. Texte: Thomas A. Querengässer, Klaus Evertz 28 Seiten, 10 Farbabbildungen vergriffen

Andreas Hentrich Bestimmte und unbestimmte Bilder 1995 Hrsg.: Kölnisches Stadtmuseum, Dr. Werner Schäfke Text: Dr. Werner Schäfke 48 Seiten, 42 Farbabbildungen € 10,-